Видео-хит: творческий алгоритм создания
Давайте знакомиться
Здравствуйте!
Меня зовут Ольга Татарникова. Я – телевизионный режиссер и продюсер. Окончила ЛГИТМиК – тогда он назывался еще так, то есть Ленинградский Институт Театра, Музыки и Кинематографии по специальности режиссура телевидения и работаю по профессии уже больше 26 лет.
Драйв прямого эфира, колдовство в монтажной, авторские и заказные фильмы и передачи, сюжеты, ролики, номинации ТЭФИ и других телевизионных фестивалей – много чего уже было за годы работы в телекомпании, но книга эта не мемуары. Родилась она совсем по другой причине.
Моя история знакомства с инфобизнесом: открытия про видео
Когда некоторое время назад в сферу моих интересов случайно (или не случайно) попал инфобизнес, и я, как обычно, начала «рыть» информацию дальше, то быстро обнаружила стремительную тенденцию к использованию видео для бизнеса и самовыражения, этакую моду на обязательное присутствие видеоконтента. И это, безусловно, правильно, потому что визуальное изображение да еще с аудио-поддержкой намного мощнее влияет на человека, сообщая ему нужную информацию, в том числе и с помощью эмоций, которые являются лучшим побуждением к действию. Но...
Часто то видео, которое присутствует в тренингах, на сайтах и в блогах выглядит неинтересно, уныло и похоже одно на другое. А ведь возможности видео практически безграничны – это и разные жанры, и выразительные средства и поистине волшебство монтажа. Режиссеру только и остается правильно выбрать из моря возможностей нужные именно ему орудия творчества.
Режиссер. А собственно кто такой режиссер? Почему я упомянула его?
Режиссер в переводе на русский язык означает управляющий. И действительно, в кино- и телепроизводстве он организует весь творческий процесс, взаимодействуя с десятками людей разных профессий – со сценаристом, продюсером, оператором, художником, монтажером, звукорежиссером, актерами, ассистентами и даже водителями. И это еще неполный список.
Но есть еще тот, с кем режиссер даже не знаком, но управляет его глазами и ушами, эмоциями и мыслями, заставляя в нужном месте грустить или смеяться, заглянуть герою в глаза или увидеть все с высоты птичьего полета. Догадались, кто это? Кого режиссер может побудить к конкретному действию или почувствовать головокружение от стремительной скорости происходящего, замереть в ожидании или рассмотреть все камешки в горном ручье? Конечно, это зритель. Он подвластен режиссеру, он идет за ним шаг за шагом. Но откуда берется это режиссерское всемогущество, какими такими тайными знаниями и способностями обладает режиссер? Наверное, что-то магическое есть и заключено оно в самой личности «управляющего», но есть и «секретное оружие», виртуозно владея которым, режиссер и заставляет зрителя сопереживать происходящему на экране. Что же это за арсенал?
Мы вернемся к этому вопросу, а пока выражу еще одно свое мнение.
Инфобизнес развивается с огромной скоростью, поэтому растет и конкуренция. И если сегодня использование видео практически считается хорошим тоном в инфобизнесе, то вывод, в общем-то, напрашивается сам собой – надо выделяться, надо делать видео, которое будет ярким, которое запомнится зрителю, которое будет обладать своим стилем и будет узнаваемо.
Как пример инфобизнесмена, который очень мощно и талантливо использует возможности видео, я хочу назвать Алекса Айвенго.
Вот ссылка на один из его роликов - посмотрите, а потом продолжим.
http://vimeo.com/39522229
Итак, что запомнили? Что зацепило? Что работало на его имидж?
Там же на vimeo.com много других его роликов, будет интересно – посмотрите.
Поскольку инфобизнес пришел к нам с Запада, у меня возник интерес узнать, а как там обстоят дела с использованием возможностей видео? А там оказалось, во всяком случае, то, что видела я – все очень достойно и профессионально. Посмотрите, к примеру, видеофильм Фрэнка Керна по этой ссылке
http://www.youtube.com/watch?v=g4D-5e4F9W4
Обратите внимание, как выбираются места для съемок, какое действие происходит в кадре, как меняется крупность планов и т.д.
Но все это получается не само собой, а, как и в любом деле, в производстве экранных произведений существуют свои технологии и правила, отобранные многолетним опытом многих людей. Я же попыталась проанализировать свой телевизионный опыт и получила творческий алгоритм создания качественного видеопродукта.
Творческий алгоритм создания качественного видеопродукта.
Работа над любым видеопродуктом начинается задолго до его съемок. И чем лучше проработан этот пред-продакшен этап, тем легче будет на следующих этапах: непосредственно продакшене и пост-продакшене, то есть в съемочном периоде и монтажном, и тем лучше будет результат, то есть задумка и воплощение будут максимально приближены друг к другу. Другими словами, весь процесс создания можно условно разделить на три этапа: подготовительно-сценарный, съемочный и монтажный. А подробнее творческий алгоритм выглядит так:
Определение темы и сверхзадачи.
Выбор подходящего жанра и формата.
Драматургическое выстраивание. Сценарный план.
Выбор выразительных средств, раскадровка.
Определение роли, имиджа и поведения человека в кадре.
Съемка: выбор места, свет, звук, крупность планов, наезды и панорамы, псевдо-многокамерная съемка.
Монтаж: ритм, музыкальное и шумовое сопровождение, титры и спецэффекты для создания многослойного восприятия.
1. Определение темы и сверхзадачи
Определение темы и сверхзадачи – начальный, но очень важный этап, потому что это, выражаясь, аллегорическим языком, выбор локомотива и станции назначения для будущего поезда, от них и зависит, как поедет состав и, собственно, куда он прибудет. Тема видеопроизведения – это ответ на вопрос «о чем?» оно. И если основная мысль, которая должна служить стратегии сценария, неопределенна и расплывчата, - он осужден на неудачу. Сверхзадача – понятие режиссерское, и означает оно – какой вывод должны сделать зрители после просмотра ролика или фильма, на какие действия они их воодушевляют.
Например, Вы – продавец воздуха и хотите сделать видео про Ваш продукт, чтобы больше людей узнали о нем и захотели купить. То есть тема Вашего будущего блокбастера - воздух. Но что именно Вы собираетесь рассказать о воздухе: как он полезен или как он красив, или делает жизнь легкой, или что-то еще? Вот здесь Вы должны определиться и конкретизировать тему. Я в данном случае формулирую так – воздух жизненно необходим. Я задумала сделать видео про свой товар с целью продать его, то есть это реклама, и значит его сверхзадача – побудить зрителя купить воздух именно у меня, то есть она может звучать так (то есть это то, что должно появиться в голове зрителя, посмотревшего этот ролик): воздух мне жизненно необходим, и я хочу приобрести его у этого человека. В дальнейшем на следующих этапах сформулированная сверхзадача, словно маяк, будет указывать путь в выборе выразительных средств.
2. Выбор жанра и формата
Классические жанры – драма, трагедия, комедия, мелодрама, фарс и другие пришли к нам еще из древнегреческого театра и означают выбор методов воздействия на зрителя с целью вызвать в нем определенные эмоции.
Есть понятие и телевизионного жанра. Это ролик, сюжет, интервью, фильм, шоу и т.д. Отличаются они продолжительностью экранного времени и характерными чертами, присущими каждому из них, то есть это тоже различные методы воздействия на зрителя.
Следовательно, одна и та же тема может быть реализована по-разному.
Возвращаясь к примеру с воздухом, я решаю, что это будет ролик – короткое экранное произведение для многократного показа. Но рекламный ролик тоже может быть сделан в нескольких вариантах. Вот, как минимум, четыре разновидности жанра «рекламный ролик».
Товар – лицом: продукт в действии.
Решение проблемы: наш продукт – это решение Вашей проблемы.
Презентация с ведущим в кадре.
Все вместе вышеперечисленное.
То есть на этом этапе выбираем жанр, который больше остальных подходит для решения поставленной перед роликом задачи.
3. Драматургическое выстраивание. Сценарный план.
Сценарное построение подчиняется законам драматургии, поэтому все начинается с экспозиции, которая служит вводом в действие, является коротким рассказом о событиях, предшествовавших возникновению конфликта - главного двигателя любой истории. Экспозиция перерастает в завязку или начало действия. Кульминация – это высшая точка развивающегося действия, которая в противоборстве позиций призвана разрешить конфликт. И, наконец, развязка – то есть способ разрешения конфликта, который избирает режиссер. Как сказал Жан Люк Годар: «У каждого фильма должно быть начало, середина и конец, – но не обязательно в такой последовательности».
Если упростить понятие драматургии, то можно сказать, что в производстве качественного видеопродукта есть несколько ключевых моментов. Первый из них - это то, с чего все начнется, чем зацепит зрителя и не даст ему выключить просмотр, это первый кадр. Второй момент - обязательно наличие интриги, то есть зрителю все время должно быть интересно: а что же дальше? И третий момент - немонотонная подача материала, то есть должны быть сломы и повороты, будь то рассказ в кадре или за кадром, когда в игру вступают еще и «картинки», или же нарезка из отзывов людей. Есть еще понятие лейтмотива, когда периодически зрителю словами, изображением или звуком напоминают главное.
Любое экранное произведение рождается сначала на бумаге, то есть пишется сценарий или в некоторых случаях сценарный план, когда нельзя дословно расписать, что же скажет тот или иной человек. То есть на этом этапе Вы пишите всю суть, которую хотите донести до зрителя, в рекламном продукте выделяете главное свойство товара, формируете уникальное торговое предложение и уже на уровне текста выстраиваете драматургию - с чего начнете, чем заинтригуете, от чего к чему будете вести зрителя и чем завершите. И если начало призвано заинтересовать зрителя, зацепить его внимание, то концовка не менее важна, потому что она запоминается больше всего остального.
Важно выявить не только все достоинства Вашего продукта, но и недостатки, чтобы придумать, как обернуть их в положительные качества, поскольку замалчивание все равно вызовет у зрителя вопросы, а не получив на них ответы, его доверие может пошатнуться. Сценарий - это скелет будущего экранного произведения, на который дальше следует нарастить мясо.
4. Выбор выразительных средств. Раскадровка.
Помните, в начале я говорила, что у режиссера есть «секретное оружие», виртуозно владея которым, он и заставляет зрителя сопереживать происходящему на экране. Что же это за арсенал?
Даю подсказку.
Подсчитано, что 70% получаемой информации человек воспринимает по визуальному каналу. Психологи считают, что невербальные сигналы позволяют понять истинные чувства и мысли собеседника. Известно, что наше отношение к человеку нередко формируется под влиянием первого впечатления, а оно, в свою очередь, является результатом воздействия невербальных факторов – походки, выражения лица, взгляда, манеры держаться, стиля одежды и т.д. Особенно ценны невербальные сигналы потому, что они спонтанны, бессознательны и, в отличие от слов, всегда искренни.
Огромное значение невербальных сигналов в деловом общении подтверждается экспериментальными исследованиями, которые гласят, что слова (которым мы придаем такое большое значение) раскрывают лишь 7% смысла, звуки, 38% значения несут звуки и интонации и 55 % - позы и жесты.
Теперь какие соображения про режиссерский арсенал?
Правильно, это невербальные выразительные средства, то есть все формы самовыражения, которые не опираются на слова.
Еще конкретнее: выразительные средства режиссера – это мизансцена, атмосфера, темпо-ритм.
Мизансцена – это расположение и перемещения людей и предметов в кадре. Цель мизансцены – передать зрителю смысл и эмоциональное содержание происходящего.
Сидит ли человек или лежит, или пробегает мимо кадра – несут разную информацию, вызывают различные эмоции и ассоциации.
Но мизансцена не выстраивается сама по себе, она всегда должна исходить из режиссерской идеи и сверхзадачи. В отличие от мизансцены театральной, киношная мизансцена создается, помимо перемещения людей в кадре, движением камеры, которое может быть плавным или прерывистым, укрупнять изображение или отъезжать на общий план. Такие изменения крупности плана, перевода камеры с предмета на предмет или с человека на другого человека называются внутрикадровый монтаж. Мизансцену не строят в одной плоскости, необходимо создавать пространство и объем.
Атмосфера – это среда кадра: шумы, звуки, освещенность, костюмы, ракурс камеры, цвет титров, шрифт, музыкальное оформление. Точно созданная атмосфера создает определенный эмоциональный настрой, способствующий раскрытию темы сценария.
Третье выразительное средство - темпо-ритм – это скорость происходящего в кадре и темп смены кадров. Ритм – это рисунок смены кадров, чередование звуков, графического изображение и, что самое важное, такое же чередование эмоций и чувств. Как в музыке, в монтажном ритме должны быть ускорения, остановки и акценты. Отсутствие ритма грозит монотонностью происходящего.
Все три выразительных средства режиссуры взаимосвязаны, они обогащают и создают друг друга.
То есть на этом этапе у нас есть написанный сценарий, мы помним сверхзадачу, и теперь выбираем работающие на нее выразительные средства, которые фиксируем в раскадровке.
Раскадровка – это, в общем-то, режиссерский сценарий. Он может быть нарисован, потому что на картинках иногда режиссеру легче обозначить и расположение людей в кадре, и ракурс камеры. Или же еще режиссерский сценарий называют левым рядом, когда рядом с текстом сценария появляется колонка, где режиссер пишет, что и как он покажет на те или иные слова.
5. Определение роли, имиджа и поведения человека в кадре.
Итак, если мы на этапе сценария определили, что у нас будет ведущий в кадре, то теперь самое время продумать и его роль. С одной стороны это самый простой в исполнении и быстрый способ донести до зрителя какую-то информации, но с другой стороны, появление, например, Вас в кадре – очень ответственный момент, на мой взгляд, потому что если это непродуманно вплоть до деталей, то может произвести обратный эффект и вместо доверия зрителя вызвать недоумение. Я видела много таких роликов, когда люди в кадре не внушали веры в то, что они действительно умеют делать, о чем говорят. Хотя из всех правил есть исключения. Очень харизматичный хороший оратор или известный раскрученный человек произведет нужное впечатление, независимо ни от чего. Но такую роскошь надо еще заработать. Вспомним ролик Алекса Айвенго. Весь его облик сообщал нам информацию, которая работала на его персональный бренд. Он вошел в кадр – это «читается» как символ того, что он в пути, что он путешествует, одет он тоже соотвествующе страннику - с рюкзаком, который, в свою очередь, также выполняет определенные функции и обыгран: из него Алекс достает бумаги, текст которых впоследствии укрупняется титрами, то есть все продумано и играет на идею и сверхзадачу.
6. Съемка: выбор места, свет, звук, крупность планов, наезды и панорамы, псевдо-многокамерная съемка.
У съемочного процесса много составляющих. Это выбор и организация места съемки, освещение, запись звука, крупность планов, многокамерная или однокамерная съемка, псевдомногокамерная съемка.
Итак, как выбрать место для съемки человека в кадре, будь то ведущий или интервью. От того, что зритель увидит помимо человека, то есть фона и окружения, во многом зависит поверит ли он происходящему. Одно дело, когда мы видим человека, предлагающего какое-то лекарство на улице, и совсем другое дело, когда мы видим его в белом халате в лаборатории.
Сейчас в интернете очень распространена съемка на белом фоне, я слышала, что так учат на курсах многие, что якобы это не отвлекает от человека. Да, бывают случаи, когда это предельно важно – сконцентрироваться именно на этом человеке, рассмотреть, какого цвета у него глаза, какие губы, но если это, скажем, продающий ролик, то такой задачи у него, во-первых, нет, а во-вторых, тогда он несет слишком мало информации, к тому же монотонный фон утомляет. Есть вариант, как можно усилить информативность однотонного фона, но об этом я расскажу в следующем пункте творческого алгоритма. Да и снять хорошо человека на фоне возможно при наличии правильно расставленных световых приборов, поэтому, на мой взгляд, съемка на натуре и выгодней и информативнее. Натура в качестве заднего плана делает действие выглядящим реально и искренне таким способом, который труден для имитации в любой студии.
Хотя здесь опять появляется очередное «но» - если место выбрано не с бухты-барахты, а продумано. Помните, все, что зритель знает о расположении заднего плана, это то, что Вы ему показываете. Бывает так, что в погоне за экзотикой тратятся большие деньги на организацию съемок, а в результате пейзаж на заднем плане выглядит очень похожим на родной пленер соседних окрестностей. Поэтому убедитесь, что в Вашем распоряжении достаточно визуального материла, чтобы зритель прочувствовал особенную атмосферу данного места. Можно снять место действия так, что зритель или позавидует человеку, находящемуся в кадре, или пожалеет его. Обстановка может получиться приятной или противной. Все зависит от того, что Вы решаете включить в кадр и чем пренебрегаете; что усиливаете и о чем замалчиваете.
Режиссер – великий сортировщик! J
Далее. Ракурс съемки. Если во время съемки интервью камера стоит выше человека, это зрительно уменьшает его, а если объектив направлен на человека снизу, это его увеличивает. Как правило, лучше устанавливать камеру на уровне глаз собеседника либо чуть ниже. Вообще классическая операторская точка установки камеры на интервью: для стоящего – на уровне груди, для сидящего человека, говоря на профжаргоне, - «от пупа». Тогда глаза попадают в золотое сечение кадра и работают акцентно.
Большая часть съемок, включая интервью, требует сокращение времени и действия. Это возможно при использовании перебивок и вставок. Убедитесь, что Вы не только снимаете перебивки, но и в том, что они значимы для сюжета. Если Вы снимаете доктора, кадр стетоскопа на его столе может иметь значение, фотография Красной Площади на стене, скорее всего не понадобится, если, конечно, собеседник не рассказывает о недавней поездке в Москву. Крупный план рук часто полезен, если собеседник ими жестикулирует.
Избегайте видеоряда, не имеющего значения. Не задавайте зрителю вопросов, если потом Вы не даете на них ответов. Например, крупный план недоеденного бутерброда на чьем-нибудь столе. О чем он говорит?
Вообще в съемках много тонкостей, далее лишь некоторые из них.
Наличие штатива и выносного микрофона очень (!) желательно. Съемку с рук и использование встроенного микрофона оправдывает лишь оперативный или иной, обусловленный замыслом, характер съемки.
Панорамные кадры обязаны иметь достаточной длины статику в начале и в конце кадра каждого плана.
Проходы героев желательно заканчивать их выходом из кадра, что облегчает построение монтажной фразы. Это касается любых движущихся объектов: животных, автомобилей и прочее.
Движущийся в кадре человек должен иметь законченные фразы движения, и вообще кадры с движущимися объектами желательно снимать длинными планами.
При съемке занятых какой-либо деятельностью людей, а также природных ландшафтов и задействованных в них животных, панорамы не только позволительно, но желательно исполнять с некоторыми "приостановками", что позволяет лучше разглядеть происходящее и сделать некие акценты. В этом случае механическая "оглядка" явно уступит место осмысленному "обзору". Плюс это даст возможность в последующем монтаже прервать в нужном месте затянувшийся проход, а не отказываться вовсе от этого самого кадра из-за непозволительной длины прохода героя или долгого панорамного движения камеры.
Крупность планов:
Общий план – это география места, ориентация зрителя в пространстве.
Средний план – передача внешнего мира без углубления во внутренний, отстраненность показа.
Крупный план – значимость показываемого, эмоциональная окраска происходящего в кадре.
Сверхкрупный план – деталь, толчок к ассоциациям, концентрация внимания зрителя.
Операторское искусство гласит, что с одной точки можно снять минимум три плана: крупный, средний и общий, которые потом на монтаже очень легко монтируются друг с другом.
Вспомним пример съемки на экзотическом берегу. Один план с человеком в кадре, конечно, не передаст всю атмосферу и привлекательность этого места, поэтому снимите его издалека – общим планом, снимите крупно детали фона за ним – это послужит не просто перебивками склеек, но и, что называется, ими можно перекрыть речь человека, добавив атмосферы или проиллюстрировать его слова. Вообще, никогда не заканчивайте съемку, если не знаете, каким будет первый и последний кадр Вашего произведения.
Обращение человека в камеру можно разнообразить, сделав псевдомногокамерную съемку. Что это такое? Это когда снимается несколько дублей разной крупности и ракурсов, а при монтаже берутся части из разных дублей и соединяются – получается намного более динамичное действие. Конечно, это требует большего съемочного и монтажного времени, но результат, на мой взгляд, того стоит. Только надо быть внимательным и соблюсти как можно идентичнее в каждом дубле местоположение ведущего и близость микрофона, чтобы не было отличий по звуку тоже. То есть вот так плавно мы и подошли к заключительному этапу – монтажу.
7. Монтаж: ритм, музыкальное и шумовое сопровождение, титры и спецэффекты для создания многослойного восприятия.
Что происходит на монтаже? Монтаж – великая сила, хотя и переводится всего лишь как сборка. То есть первое назначение монтажа – это собрать все части в единое целое, подкорректировать их технически и стилистически. Но собирать можно по-разному:
Последовательно.
Параллельно, чередуя действия в разных местах.
Одновременно, деля экран на несколько частей.
Лейтмотивом, периодически повторяя один и тот же кадр или снятый объект.
И если на этапе написания сценария история рассказывается словами, то в монтажном периоде та же история рассказывается еще и визуальными средствами. Поэтому кадр в зависимости от крупности можно сравнить со словом или словосочетанием, а монтажная фраза – это предложение. Из них и собирается вся история.
Считается, что основной принцип монтажа по крупности планов – это чередование их через план, то есть крупный монтируется со средним, средний с общим, общий с крупным, как акцент. Но, на мой взгляд, главный закон режиссуры – это отсутствие законов, то есть можно все, если это оправдано. Но что означает оправдано? Это значит, что работает на сверхзадачу. Если вернуться к аналогии, что кадры – это слова, то в случае перечислений, например, яблоки, груши, персики и абрикосы, конечно, допустимо показать каждый крупным планом. А предложение: яблоки, груши, персики и абрикосы созрели в нашем саду – будет монтажной фразой.
Ритм соединения кадров тоже может быть разный – быстрый прямыми склейками или неторопливый плавными микшерными переходами в зависимости опять же от нашей сверхзадачи и уместности. В среднем удобны для глаз планы продолжительностью 3-5 секунд, это оптимальное время и для усвоения информации и для того, чтобы картинка не надоела. Исключение составляют планы, где используется внутрикадровый монтаж, то есть когда камера, не выключаясь, наезжает или отъезжает, панарамирует или переводит фокус, тогда план может быть и 20 и 30 секунд, и даже весь ролик может быть снят одним планом. Но такая съемка требует операторской сноровки и опыта, а также продуманности и отрепетированности камерных переходов.
Следующее назначение монтажа – это добавить музыку или шумы, титры и спецэффекты для усиления эмоциональной и информативной составляющей. Звуковые эффекты и музыка могут изменить чувства, которые Вы хотите передать зрителю. Используя громкие, неприятные, диссонирующие звуки, Вы создаете впечатление шума, неразберихи, и даже вражды. Быстрые звуки предполагают суетливость и беспорядок. С другой стороны, можно использовать тихие звуки, успокаивающие, счастливые, веселые, пасторальные, ассоциирующиеся с хорошим и общий эффект будет мирным, согласным. Можно сопроводить изображение играющих детей веселым смехом или сердитыми окриками и визгом, и зритель подумает о совершенно противоположных вещах.
Титры – это тоже мощное выразительное средство монтажа. Они могут сделать нужный акцент, сообщить название, разложить информацию, что называется, по полочкам, представить человека и т.д. А могут нести и дополнительную информацию. Взять, к примеру, уже упомянутый вариант съемки на белом фоне. Если добавить на фон титры, то это немного сгладит однообразие картинки, расставит акценты. Но можно просто иллюстрировать речь, а можно придать многослойность происходящему на экране. Например, человек в кадре рассказывает о своем тренинге, а на фоне читаются короткие отзывы людей, уже его прошедших, то есть это усиливает авторитет говорящего. Но надо не забывать о чувстве меры, чтобы не перегрузить кадр так, что у зрителя возникнет ощущение каши от происходящего на экране. Вообще, в процессе монтажа следует пересматривать уже смонтированное и обязательно нужно посмотреть, когда первый монтаж закончен, чтобы в целом оценить результат и внести коррективы. И это достаточно часто бывает, когда режиссер, посмотрев смонтированное, произносит: «А вот теперь начнем монтировать!» Потому что только сейчас видно, что надо усилить, что затянуто, где сделать паузу, дав зрителю осмыслить только что увиденное или услышанное, или дать ему пережить эмоцию.
После всех внесенных корректив видеопродукт готов к выходу на экран – у него начинается своя «взрослая» жизнь...
P. S. Это краткая теория, которую необходимо знать, чтобы создавать качественное и эффективное видео. Практическим освоением всего вышесказанного мы занимаемся на одноименном курсе - http://yarezhisser.ru/wppage/proekt-rezhissura-onlajn-predstavlyaet/
Творческий алгоритм создания эффективного видеопродукта – это семь ступеней в волшебный мир воплощения самых смелых идей. Хотите ролик или полнометражный фильм? Специальный репортаж или актуальное интервью? Клип, сериал, реалити-шоу, собственное телевидение... Все, что созвучно Вашей душе и требуется Вашему бытию.
А это бонус для тех, кто дочитал до конца - http://yarezhisser.ru/wppage/videodoktor/
С пожеланием больших творческих успехов, Ольга Татарникова.
Сконвертировано и опубликовано на http://SamoLit.com/